Ignatub

Ignatus donne avec l’AMA des conférences dans des cadres divers et variés : des festivals (Les Trans Musicales de Rennes, Les Francofolies), des salles de spectacle, des lycées/collèges, des médiathèques…
À noter que la plupart des conférences indiquées ci-après l’ont été en collaboration avec l’Association des TransMusicales de Rennes et en collaboration avec Pascal Bussy, les autres l’ont été avec Les Francofolies de La Rochelle, La Philharmonie de Paris et le Trianon Transatlantique.
Notre site : ama-conferences.com ; notre Facebook : facebook.com/conferencesmusicales

En préparation avec le Trianon Transatlantique :  Léo Ferré, le poète exalté ; Edith Piaf : une voix, un destin.

 

À voir en vidéo sur Viméo : « Que dit la chanson de nous ? » enregistré  pendant les Francofolies de La Rochelle.

 

Voici une liste (non exhaustive) des conférences disponibles :

 

QUE DIT LA CHANSON DE NOUS ?
Une conférence joyeuse et interactive (en collaboration avec les Francofolies)
Lors de la conférence « Que dit la Chanson de nous ? », nous poserons un regard décalé sur nous à travers l’introspection de quelques chansons du patrimoine et de l’actualité. Par sa manière d’évoquer le tout par le détail et par sa forme faussement légère, la chanson nous touche car elle est le miroir de nos vies, de nos envies, de nos émotions, de nos colères. Un art simple et direct qui accompagne le quotidien.

 

DE FÉLIX LECLERC À STROMAÉ, QUAND LA FRANCOPHONIE BOUSCULE LA CHANSON.
Une conférence joyeuse et interactive (en collaboration avec les Francofolies)
Qu’ils viennent du Québec, de Belgique ou d’Algérie, beaucoup d’artistes francophones ont conquis le public français avec une approche nouvelle et décomplexée de la chanson. Nourris d’une culture différente, ils ont aussi influencé bon nombres d’interprètes français et, finalement, transformé le visage de musique d’ici.
Au cours de cette conférence sont évoqués des aspects historiques, géographiques et sociologiques, agrémentés de nombreuses anecdotes permettant à chacun de se replacer dans le contexte de différentes époques. Régulièrement, à la demande du public, ignatus chante a capela des extraits de chansons dont le public doit retrouver l’interprète, il fait aussi quelques haïkus, poses poétiques et souriantes.

À voir en vidéo sur Viméo

 

GEORGES BRASSENS : UN HOMME LIBRE

Ils sont rares les artistes devenus populaires sans le chercher. Certes, Georges Brassens était heureux de son succès, mais jamais cela n’a été le moteur de sa créativité. Plutôt timide, perfectionniste, il s’était d’abord rêvé poète, et s’amusait de se voir chanter devant un public de plus en plus nombreux.
Au cours de cette conférence, nous évoquerons sa vie et tenterons de mieux comprendre l’homme qu’il était à travers ses chansons.

En option : une sélection de ses chansons interprétées par Boule accompagnée d’une formidable accordéoniste.

 

BARBARA, UNE FEMME SI SINGULIÈRE

Qui n’a pas été bouleversé à l’écoute d’une chanson de Barbara ? «Göttingen», «L’aigle noir», »Nantes»… façonnée par ses douloureuses épreuves personnelles, Monique Serf (de son vrai nom) a fasciné plusieurs générations d’amoureux de la chanson et influence encore aujourd’hui de nombreux artistes comme Dominique A ou Pierre Lapointe.
Dans cette conférence, nous évoquerons sa vie, son style, son public, ses influences et son écriture à travers de nombreux documents.

En option : une sélection de ses chansons interprétées par Léonor Stirman, jeune et talentueuse interprète qui a consacré un spectacle à la «longue dame brune».

 

POÉSIE ET MUSIQUES POPULAIRES
Totalement absente de la culture médiatisée, la poésie n’est plus populaire aujourd’hui qu’à travers la musique. Au cours de cette conférence et à travers de nombreux exemples, nous essaierons de déterminer comment «musiques actuelles» et poésie se côtoient depuis le début du XXème siècle pour parfois pire, mais souvent le meilleur.

 

LE « SONGWRITING » OU COMMENT NAISSENT LES CHANSONS
« Douce France », « La vie en rose », « La javanaise », « Gaby oh Gaby »… Vos refrains préférés des Beatles, de Bob Dylan, et de Kevin Ayers… D’autres qui viennent de La Réunion, du Brésil, d’Italie ou du Cap Vert… sans oublier ceux de votre groupe fétiche de Toulouse, du Japon ou du Nebraska… Ces multitudes de chansons ont toutes un point commun : elles sont l’œuvre d’un auteur et d’un compositeur, souvent d’ailleurs la même personne.
Au cours de cette conférence où seront évoqués beaucoup de créateurs français et étrangers, nous tenterons de percer la double énigme de l’écriture du texte et de la composition musicale, deux arts qui s’entremêlent pour n’en constituer qu’un seul : le « songwriting ». Nous décrirons la variété de ses sources d’inspiration, nous raconterons la naissance et la construction d’une chanson, et nous décrypterons quelques exemples emblématiques.
Ainsi, nous pourrons nous approcher du mystère de cette relation unique qui s’établit entre des artistes et leur public à travers trois minutes où le quotidien se met en suspension et où les notes et les mots s’assemblent de façon idéale.

 

BORIS VIAN, UN TOUCHE À TOUT DE GÉNIE

La chanson, la littérature, la peinture, le jazz… Ingénieur de formation, Boris Vian a, au cours de sa courte vie, joué des codes conventionnels dans de très nombreux domaines. Ces différents aspects de sa vie seront ainsi évoqués lors de cette conférence, avec un intérêt particulier pour la chanson. En effet, derrière la dizaine de titres connues du grand public (« Le déserteur », « Fais moi mal Johnny »…) se cache un répertoire impressionnant où humour et gravité se côtoient avec délice.

 

COMMENT LES ARTISTES JOUENT AVEC LEUR IDENTITÉ

Pseudonymes, masques, maquillages et déguisements, voilà quelques-uns des artifices dont usent les musiciens et les groupes pour incarner leur projet et fabriquer leur image. Une conférence qui s’appuie sur 6 portraits : The Residents, Art Ensemble of Chicago, Uwe Schmidt (Atom Heart, Senor Coconut…), Daft Punk, Gorillaz et IA404.

 

L’HYBRIDATION, MOTEUR DES NOUVELLES MUSIQUES D’AUJOURD’HUI

De plus en plus, les musiques que nous écoutons nous semblent inclassables. Quitte à tenter parfois d’impressionnants grands écarts, beaucoup d’artistes se distinguent aujourd’hui en réalisant des combinaisons toujours plus osées. Pour mieux comprendre ce cheminement, nous vous proposons six portraits illustrant ces possibilités de croisements infinis, avec toujours en toile de fond une formidable alchimie créatrice : Jain, Brian Eno & David Byrne, Dead Can Dance, Chassol, DakhaBrakha et Ladaniva.

 

LES MULTIPLES VISAGES DE LA MUSIQUE DANS L’AFRIQUE D’AUJOURD’HUI 
À travers huit portraits d’artistes et de groupes actuels, cette conférence décrira la diversité musicale du continent africain ; une impressionnante mosaïque où cohabitent trois tendances : tradition, innovation et mondialisation.

Dossier complet à télécharger sur le site des TransMusicales de Rennes : https://bit.ly/2LexZmR

 

LES MUSIQUES DE L’EXIL
À côté d’implications politiques et d’enjeux identitaires, l’exil s’accompagne d’ouvertures à d’autres cultures. Mais, quelles qu’en soient les causes, c’est d’abord un déracinement qui provoque chez les artistes des sentiments fondés sur la douleur. Bien souvent, les musiques de l’exil possèdent un fort pouvoir émotionnel et révèlent une créativité exacerbée, ce qui leur a donné une forte influence sur de nombreux mouvements musicaux jusqu’à aujourd’hui… (Les Trans 2018)

 

CHANTER EN ANGLAIS OU EN FRANÇAIS : POURQUOI ET POUR QUI ?
Ces trente dernières années, un nombre croissant d’artistes français, notamment dans les esthétiques rock, pop, folk et electro,  ont décidé de chanter en anglais. Toutefois, cette tendance semble s’inverser ces dernières année. Qu’est-ce qui explique ces mouvements ? Les justifications données en interview (sonorité de la langue, priorité au sens…) suffisent-elles à expliquer le choix des artistes ?
En s’appuyant sur un large panel d’exemples et de citations, cette conférence se propose d’éclairer cette problématique en mettant notamment en relief les enjeux artistiques et économiques qui y sont liés.

 

INFLUENCE DES ÉVOLUTIONS TECHNIQUES SUR LES ESTHÉTIQUES DANS LES MUSIQUES ACTUELLES
La création artistique a toujours entretenu des liens étroits avec les outils qui lui sont indispensables. En dehors du chant a capela, que ce soit pour « exécuter » une œuvre ou pour la composer, le « rendu » de l’artiste dépendra beaucoup de l’instrument, et de la « relation » qu’il entretient avec celui-ci.
Au cours du XXème siècle, l’accélération des découvertes a bouleversé le monde de la musiques. De l’électrification de la guitare dans les années 30 jusqu’au « home studio » en passant par les synthétiseurs, les séquenceurs et les échantillonneurs, cette conférence propose de mettre en relief les relations étroites entre les évolutions techniques et les différentes esthétiques qui en sont issues.
La conférence se termine par démonstration de travail en « home studio ».

 

L’AUTRE DIMENSION DU CONCERT : LA SCÉNOGRAPHIE
Dans la plupart des styles de musiques actuelles, un nombre croissant d’artistes et de groupes proposent des concerts où ce que l’on voit sur scène est aussi important que la musique elle-même. Que ce soit par des créations de lumières particulières, l’intégration d’éléments scénographiques particuliers (pyrotechnie, interactions avec la vidéo…), un décor inspiré par exemple du théâtre ou du cinéma, des chorégraphies ou même la conception d’instruments spécifiques, le spectateur est invité à participer à des diverses expériences multi-sensorielles.
La scénographie s’appuie sur un éventail particulièrement large de métiers et de compétences. Nous tenterons donc dans un premier temps d’y voir plus clair dans ce dédale pour dégager les grandes tendances liées à ces différents aspects. Ensuite nous évoquerons le music-hall, les pionniers, les défis nouveaux autour de la provocation et du gigantisme dans lequel le rock s’est engouffré dans les années soixante-dix, pour terminer par la spécificité des musiques électroniques. Tout au long de cette présentation, nous verrons que la scénographie peut prendre des formes très diverses, qui vont de l’artisanat éclairé jusqu’à l’intégration de technologies de pointe – la réussite d’un projet n’étant pas forcément liée aux moyens mis en place.

 

AU CŒUR DU RYTHME : LA BATTERIE
Apparue au tout début du siècle dernier avec le jazz, la batterie symbolise l’irréversible montée en puissance du rythme dans les musiques populaires.
Rhythm’n’blues, rock, rap, jusqu’aux familles des musiques du monde, les fûts et les cymbales sont même sollicités par certaines musiques électroniques pour atteindre un groove et une transe idéals.
Au cours de cette conférence émaillée de portraits emblématiques, nous retracerons l’histoire de cet instrument qui permet souvent à une musique de parler autant au corps qu’à l’esprit.

 

LES FANFARES : DE LA MARCHE À LA DANSE
Avec leur alliage séduisant d’instruments à vent et de percussion, les fanfares dont l’origine remonte aux musiques militaires ont peu à peu pénétré d’autres styles, à commencer par le jazz. Mais c’est aussi leur esprit festif qui, au fil des décennies, a irrigué nombre de musiques comme le funk ou le rap. Pendant cette conférence, nous expliquerons à l’aide de nombreux exemples les évolutions techniques et les transformations esthétiques qui ont sous-tendu ces mutations.

 

LA CHANSON
Avant d’examiner les mariages successifs de la chanson avec des rythmes venus parfois de très loin, ce parcours explore l’héritage d’un patrimoine multi-séculaire. Enfin, il dresse un inventaire des mouvements modernes, tour à tour dominés par le yé-yé, la pop made in France, les différentes générations du rock hexagonal, les courants alternatifs et les différentes formes de la nouvelle chanson d’aujourd’hui.

 

1968 – LA CHANSON SE LIBÈRE
Dans la France des années soixante, encore guindée et fascinée par les grands médias et le plaisir de la consommation, la chanson se limite encore souvent à la variété et à la chanson à texte. Les influences du jazz et du rock ont commencé à faire bouger les lignes, mais le conformisme reste de rigueur. Mai 68 sera comme un électrochoc et symbolisera l’émergence d’artistes désireux d’emmener les textes chantés vers de nouveaux territoires.

 

LE ROCK (conférence possible en trois volets)
Depuis ses multiples actes de naissance (Elvis Presley ou Bill Haley ? Fats Domino ou Ike Turner ?), le rock a révolutionné la société et n’a pas cessé de se réinventer en générant une multitude de styles (pop anglaise, hard rock, punk, metal, new wave, grunge, etc.). Régulièrement, des musiciens comme Neil Young ou R.E.M. reviennent à ses fondamentaux et de jeunes groupes l’entraînent vers le futur.

 

LA MYTHOLOGIE DU ROCK
Dès sa naissance, le rock a généré ses premiers mythes dont voici quelques modèles : le chanteur solitaire, le porte-parole des sans voix, le jusqu’au-boutiste auto-destructeur, la star charismatique, le créateur maudit, le poète hors du temps, toutes ces catégories (et d’autres) pouvant bien sûr se mélanger… Cette galerie de personnages s’est agrandie au fil de l’explosion du rock, à la fin des années cinquante, et des trois décennies qui ont suivi, des « sixties » inventives aux « eighties » novatrices en passant par les « seventies » flamboyantes. Jusqu’à aujourd’hui, cette musique qui a été à la fois révolution esthétique, phénomène de société, symbole de contestation, moteur de liberté, et produit de consommation a porté en elle une somme étonnante de sentiments de fascination et d’attitudes identitaires et possessives.
Au cours de cette conférence, nous plongerons dans l’histoire et dans l’imaginaire du rock, afin d’analyser le statut de ses héros (idoles, icônes mais aussi martyrs), ses enjeux affectifs (sa géographie, ses « scènes » et ses « écoles »), son rapport à l’objet (disques, instruments, etc.), enfin ses rituels qui passent par l’écoute, le concert, mais aussi l’appartenance à un groupe social plus ou moins identifié. Tout cela nous permettra de constater que, comme la littérature ou le cinéma, le rock est une culture dont le champ et l’impact, autant aux Etats-Unis qu’en France ou en Angleterre, sont d’une extrême richesse et vont bien au-delà de la musique elle-même.

 

INSTRUMENTS RARES ET ORIGINAUX DANS LES MUSIQUES D’AUJOURD’HUI
Dans beaucoup de sphères musicales, du rock à la musique électronique en passant par le jazz et les musiques dites « nouvelles », certains artistes ont toujours pratiqué des instruments peu connus, et en ont même parfois fabriqué eux-mêmes. Pendant cette conférence, nous analyserons ces démarches qui correspondent toujours à une quête sonore particulière, et à un désir de se singulariser basé sur la curiosité. Nous parlerons de ces aventuriers du son, de ces bricoleurs de génie, et évoquerons plusieurs des musiques qu’ils produisent avec leurs instruments « bizarres », que ceux-ci soient exhumés de l’oubli, évadés de continents lointains, ou encore inventés de toutes pièces.
Si certaines d’entre elles sont inclassables, expérimentales ou évoluent dans des marges, en rimant quelquefois avec mystère et ésotérisme, d’autres s’inscrivent dans des logiques bien définies, « rock », « pop » ou autres, et utilisent alors ces instruments « différents » à des degrés divers, qui va de la simple enluminure à la véritable marque de fabrique. Toutes, en tout cas, ont pour vocation de susciter la surprise et d’élargir l’espace sonore.

 

LE FOLK
Dans son sens le plus large, la musique folk désigne l’ensemble des musiques d’un pays ou d’une région du monde en particulier, souvent de tradition orale (on parle alors de musiques « folkloriques »).
S’il est lui aussi rattaché à cette dimension « traditionnelle » à travers ses pionniers, le folk auquel nous nous intéresserons lors de cette conférence qualifie plus précisément une famille musicale d’origine anglo-saxonne (la « folk music ») qui a bouleversé l’échiquier des musiques actuelles à partir des années soixante, notamment à travers la personnalité charismatique de Bob Dylan.
Nous parlerons ici de la parenté que la musique folk entretient avec le blues, la musique country, les musiques traditionnelles et les musiques populaires en général. Puis, après avoir montré qu’il s’agit d’une esthétique qui passe sans doute plus que les autres par une suite de mouvements revivalistes, et qui porte souvent en elle une certaine forme de sincérité et une notion d’engagement, nous constaterons que le folk, récemment associé à des approches comme le lo-fi ou en tant que composante de l’ « americana », est aujourd’hui une musique à la fois multiforme et universelle.

 

L’ « AMERICANA » : REDÉCOUVERTE D’UNE CULTURE ET VOYAGE AUX SOURCES DU ROCK
L’étiquette « americana », un nom aux parfums d’aventures et de mystère, s’est d’abord appliquée à des musiciens des États-Unis, qui, lors de la vague néo-folk du milieu des années quatre vingt dix, se sont intéressés à l’histoire musicale de leur pays, souvent recréée de façon volontairement artisanale et « lo-fi ». Dès le début de la décennie suivante, cette approche s’est étendue à des musiciens scandinaves, anglais, australiens ou français, ce qui prouve l’universalité de cette esthétique.
Aujourd’hui, les artistes labellisés « americana » peuvent intégrer des genres comme le rockabilly et le rock’n’roll. Ils s’inspirent à la fois d’artistes connus comme Bob Dylan et The Band ou d’autres devenus « cultes » tels Townes Van Zandt et Karen Dalton. Pendant cette conférence, nous rassemblerons les fils de ce vaste ensemble de styles qui nous conduira dans de multiples directions : les racines « blanches » du rock, essentiellement country et folk, mais aussi les musiques amérindiennes des « natives », sans oublier certains genres traditionnels venus d’Europe. Au cours du voyage, nous côtoierons des créateurs dont les mots d’ordre sont authenticité, épure, et un certain classicisme qui célèbre tous les styles qui ont émergé du creuset nord-américain, ce magnifique chaudron culturel.

 

DU 78 TOURS AU MP3 : LES SUPPORTS SONORES ET LEUR INFLUENCE SUR NOTRE RAPPORT À L’ÉCOUTE
Des premiers cylindres phonographiques aux disques en vinyle, de la bande magnétique à la cassette, du compact disc à la compression sonore d’aujourd’hui, les supports sonores ont déjà connu plusieurs révolutions. De plus en plus pratiques, bénéficiant d’une miniaturisation extrême et de prix de plus en plus bas, ils ont énormément influencé notre façon d’entendre, d’écouter, et de « consommer ».
En rendant la musique accessible à tous, en faisant passer l’écoute d’un état sédentaire à un nomadisme absolu, ces évolutions ont peu à peu permis une démocratisation de la consommation de la musique. Cette conférence nous conduira aussi à l’analyse des comportements sociaux, et nous aborderons notamment les notions de liberté et d’émancipation des jeunes générations, ainsi que le débat actuel autour de la gratuité de l’œuvre musicale

 

LE VINTAGE : ENTRE GLAMOUR ET NOSTALGIE
Dans le domaine musical, le terme « vintage » désigne un phénomène qui s’amplifie et qui décrit autant une couleur sonore authentique – pouvant remonter jusqu’au début du XXème siècle -, que sa reproduction par des artistes plus jeunes. Au fil de cette conférence, nous verrons que cette approche se retrouve dans de nombreux genres musicaux, du blues au rap en passant par la chanson, le jazz, le folk, le rhythm’n’blues et la soul, sans oublier le rock, ses sous-familles et ses marges expérimentales.
Puis, nous constaterons que le « vintage » a aussi à voir avec des époques précises, le plus souvent celles des pionniers de telle ou telle esthétique, et la recherche d’un style et d’un son particuliers. En croisant des créateurs qui sont souvent des revivalistes, nous dégagerons des grandes tendances, comme la fascination pour les musiques noires ou le modèle que représentent toujours les crooners. Enfin, nous montrerons qu’au-delà des modes, des influences et des syndromes d’identification, le « vintage » s’inscrit dans l’évolution naturelle des musiques d’aujourd’hui et participe à leur renouvellement.

 

AUX RACINES DES MUSIQUES ACTUELLES
De l’Afrique jusqu’au Bronx en passant par les studios européens, les principales « musiques actuelles » sont nées de multiples courants qui se sont croisé puis mélangé sur le sol nord-américain. Le blues, la country, le jazz, le rythm’n’blues, la soul et les musiques électro-acoustiques ont ainsi irrigué ce qui allait être le rock, le hip-hop et les musique électroniques. Et c’est sur fond de bouleversements politiques, économiques et sociologiques que la musique populaire devient alors le témoin des formidables évolutions qu’a connu de XXème siècle.
C’est une conférence particulièrement adaptée aux adolescents.

 

COMMENT UNE MUSIQUE S’OFFRE UNE AUTRE VIE HORS DE SON TERRITOIRE D’ORIGINE
Blues, jazz, rock, rap, techno, reggae… Toutes ces « familles » ont quitté leur lieu de naissance pour inonder la planète toute entière ; elles sont aujourd’hui universelles. Mais certaines musiques, à la typologie pourtant très marquée, ressurgissent presque par surprise sur un autre point du globe. On voit des Bretons pratiquer la musique éthiopienne, des Japonais se lancer dans le dub ou la salsa, ou des Suisses comme Mama Rosin recréer la musique cajun…
Au cours de cette conférence, nous analysons ces étonnants syndromes d’appropriation. Ils sont toujours l’œuvre d’un ou de plusieurs passionnés, qui « capturent » une musique qui n’est pas « la leur », la reproduisent avec brio, et y ajoutent quelquefois leur grain de sel. Et la transplantation cache souvent aussi une philosophie qui rime avec aventure, respect, fidélité et tolérance.

 

AUX RACINES DU HIP HOP
Traditions africaines, negro spirituals, blues, jazz, soul, funk, « spoken word », « talk over » : les origines musicales de la culture hip hop sont nombreuses et profondes, puisqu’elles se nourrissent de l’histoire des Afro-Américains dès leur arrivée par bateau en tant qu’esclaves depuis le continent africain à partir du dix-septième siècle. Aujourd’hui, à l’opposé de la scène du rap « commercial », de nombreux artistes, comme The Roots et Rocé, recherchent dans ces racines le moyen de dynamiser leur art, tant sur le plan musical que verbal.

Mais aussi : Les musiques africaines, La chanson québécoise et acadienne, Le blues, Le home studio, Être seul en scène, « Soft Power » : la puissance de l’industrie des images et des rêves…

N. B. : la plupart de ces conférences ont été écrites avec Pascal Bussy.

 

Présentation générale :

DES CLEFS POUR LES MUSIQUES ACTUELLES

Que ce soit par la pratique d’instruments et par l’écoute (concerts, disques, mp3, radio, internet…), la musique est le domaine artistique de prédilection des Français. Pourtant, qu’il s’agisse de rock, de chanson ou de jazz, jamais les musiques actuelles n’ont été aussi difficiles à décrypter. Les courants se multiplient et s’interpénètrent, la diffusion des disques et les démarches artistiques sont la proie d’une industrie musicale en profonde mutation.

Pour répondre à cette situation, l’AMA (Association pour les Musiques Actuelles) propose des conférences musicales présentées sous la forme de modules de une à deux heures contenant de nombreux extraits audio et vidéo. Ces exposés vivants et interactifs où l’image et le son se conjuguent avec un discours simple ont un seul mot d’ordre : apporter des points de repère pour mieux comprendre toutes les musiques actuelles, de la chanson aux musiques du monde en passant par le blues, le jazz, le rock, le rap et l’électro.

Le recul dont nous disposons aujourd’hui nous permet d’aborder objectivement ce patrimoine récent, aussi bien par les styles musicaux qu’à travers les carrières de plusieurs musiciens emblématiques, le tout étant enrichi d’une réflexion sociologique, d’éléments de musicologie, et de références à l’histoire contemporaine, à l’actualité et à l’industrie du disque. Par exemple, l’origine sociale d’une musique et son implantation géographique peuvent aider à comprendre son impact artistique.

Ces conférences qui replacent les musiques actuelles dans un contexte plus global sont culturelles et pédagogiques. Destinées aux amateurs de musiques qui veulent en savoir plus, elles s’adressent aussi à ceux dont le métier est de former ou d’informer : documentalistes, enseignants, élus, etc. En effet, pour les acteurs concernés des collectivités locales, du milieu associatif, sans oublier les écoles et les universités, ces bases de culture générale peuvent compléter utilement les filières traditionnelles de la formation professionnelle.

 

Jérôme Rousseaux, connu dans le monde de la chanson comme auteur-compositeur-interprète sous son pseudonyme d' »ignatus », a toujours été passionné par l’histoire des musiques populaires. Depuis sa première conférence aux TransMusicales de Rennes en 2006, il n’a cessé d’explorer des sujets aussi variés que « Le songwriting (comment s’écrivent les chansons »), « Les musiques de l’exil » ou « L’influence des évolutions technologiques sur les esthétiques musicales ». Avec humour et enthousiasme, il aime par dessus tout partager ses découvertes.